Breve reseña de las óperas de la temporada 2012-2013 “En vivo desde el Met”

Por Fernando Treviño Lozano

Mayo de 2012

EL ELÍXIR DE AMOR

De las cerca de setenta óperas compuestas por Gaetano Donizetti (1797-1848), sólo alrededor de una docena de ellas sobreviven hoy en día en los escenarios. Predominan las obras de carácter dramático; pero hay dos joyas de la ópera cómica que son favoritas indiscutibles de los amantes del arte lírico: Don Pasquale y L’elisir d’amore. Esta última, trata del viejo sueño de la humanidad de hacer que nuestro ser amado nos corresponda, utilizando una pócima mágica, es decir, sin tener que luchar por ser correspondidos. La obra está llena de bellísimas melodías, sobresaliendo la famosa aria belcantista Una furtiva lágrima.

 OTELO

Al concluir la composición de Aída en 1871, Giuseppe Verdi (1813-1901) consideró que era tiempo de retirarse de la creación musical. Había alcanzado la cima y sentía que su carrera como compositor había llegado a su fin. Pero no contaba con que años más tarde, su amigo Franco Facio, coludido con su editor Giulio Ricordi, lo convencerían de volver a tomar la pluma y el papel pautado para dar al mundo lo que sería su penúltima ópera: Otelo, basada en el muy conocido drama de Shakespeare. Desde su exitoso estreno en Milán en 1887, esta ópera ha sido un ícono del repertorio, además de constituir un reto para el tenor estelar, quien enfrenta dificultades vocales tales que han hecho que a la ópera se le conozca como “asesina de la voz”. 

LA TEMPESTAD

Basada también en una obra de Shakespeare, ésta ópera comisionada por la “London’s Royal Opera House” y estrenada en 2004 bajo la dirección de su joven pero muy exitoso compositor inglés, Thomas Adès (1971- ) constituye una muy especial adición a su catálogo de creaciones, mismo que incluye un magnífico concierto para violín y orquesta, fantasías sinfónicas y otra ópera: Powder Her Face. El lenguaje musical de Adès, aunque muy personal, sigue los cánones tradicionales melódicos y armónicos. Además, está llena de originales matices orquestales y vocales. Es pues una magnífica oportunidad de disfrutar de música contemporánea que sin duda tendrá un lugar prominente en el futuro.

LA CLEMENCIA DE TITO 

El último año de la vida de Wofgang Amadeus Mozart (1756-1791), estuvo plagado de vicisitudes de todo tipo. Mientras trabajaba en su celebérrimo Réquiem, mismo que dejaría inconcluso, compuso y estrenó otras obras. Entre ellas, se encuentran dos óperas: “La Flauta Mágica”, una e sus creaciones más conocidas, y “La Clemencia de Tito” una obra seria (no cómica), cantada en italiano y estrenada en Praga en septiembre del año mencionado. Por muchos años opacada por sus obras líricas más populares, recientemente ha recobrado su merecido lugar, presentándose pues una muy especial ocasión de gozar de una ópera plagada de bellas melodías que sólo un genio como Mozart pudieron habernos legado. 

UN BAILE DE MÁSCARAS

Aunque sólo tangencialmente relacionada con el asesinato histórico del Rey Gustavo III de Suecia en 1792, precisamente durante un baile de máscaras; dada la enorme censura que en la época de Giuseppe Verdi (1813-1901) había sobre obras que trataran de magnicidios, esta ópera encontró enormes dificultades para su estreno. Sin embargo, tras lograrse en 1859, esta obra se colocó de inmediato en el repertorio internacional. Contando con maravillosos pasajes para personajes de las principales tesituras de la voz y acompañados de una genial orquestación, no es extraño que esta obra se encuentre dentro de las favoritas, no solamente del repertorio verdiano, sino del arte lírico en general.

AÍDA

Una versión muy difundida en libros y enciclopedias es que Giuseppe Verdi (1813-1901) compuso esta ópera para la inauguración del Canal de Suez. La verdad es otra. Habiéndosele pedido la creación de un himno para conmemorar el acontecimiento antes citado, él declinó la oferta, pero sí concibió la idea de componer una ópera sobre un argumento que se desarrollara en esos exóticos rumbos. El libreto de Antonio Ghislanzoni sobre una esclava etíope presa en Egipto e involucrada en un triángulo amoroso con la hija del Faraón y un gran guerrero egipcio, presentaron el material ideal. El resultado fue una de las obras más populares que existen, no solamente en el género operístico, sino en la Música en general. Desde fastuosas producciones, incluyendo camellos, caballos y elefantes en escena, hasta realizaciones que no abusan de extravagancias, han servido de marco a la música genial que brotó de la pluma de Verdi.  Tiernos momentos amorosos se conjugan con maravillosos momentos triunfales, que hacen de esta obra una verdadera joya que nadie debe dejar de admirar. Por algo se le conoce, merecidamente, como “La Reina de las Óperas”.

LOS TROYANOS

 Considerada por muchos críticos como “la más grande de la óperas francesas del Siglo XIX”, este ambicioso proyecto de su autor, Héctor Berlioz (1803-1869) fue por mucho, el mayor de su producción operística.

Integrada por dos partes: “la Caída de Troya” y “Los Troyanos en Cartago”, mismos que en ocasiones se representan en forma separada, la obra está basada en pasajes de la célebre “Eneida” de Virgilio, el gran poeta romano.

Su autor jamás la vio puesta en escena. Tampoco se interpretó íntegramente en francés durante su vida, ni siquiera en forma de concierto.

La representación de esta obra, además de requerir de cantantes con gran dominio de su técnica vocal, una gran orquesta y una complicadísima mecánica teatral, es de una dificultad tal, que la ha mantenido fuera de los escenarios. Por ello, el poder admirarla en todo su esplendor, representa una oportunidad excepcional.

MARÍA ESTUARDO

Estrenada en Milán en 1835, esta ópera forma, junto con Anna Bolena y Roberto Devereux, la llamada “Trilogía Tudor” de Gaetano Donizetti (1797-1848), todas ellas compuestas alrededor de la figura de Isabel I de Inglaterra. Durante la época de su composición y más aún durante los ensayos para su estreno, Donizetti se vio asediado por la censura, misma que prohibía referencias a la enemistad entre María Estuardo e Isabel I. La ópera logró representarse, pero fue eliminada de los escenarios tras la sexta función y su autor no volvió a verla durante el resto de su vida, a pesar de un breve resurgimiento en 1866.

No fue sino hasta 1958 que gracias al director orquestal italiano Oliviero de Fabriitis, volvió a las casas de ópera, convirtiéndose en una favorita de las grandes sopranos belcantistas de la época y hasta nuestros días.

La obra tiene todo el sello de quien la compuso: bellas melodías, extensas dificultades vocales y escenas dramáticas inolvidables.

RIGOLETTO

Esta ópera de Giuseppe Verdi (1813-1901), estrenada con mucho éxito en 1851, forma con Il Trovatore y La Traviata el triunvirato que en los años cincuenta del Siglo XIX, introdujeron al compositor al mundo de los inmortales en la historia de la música.

Si bien, Verdi ya había alcanzado fama internacional con su ópera Ernani (1844), estas tres obras fueron las que lo consagraron, no sólo por el resto de su vida, sino para la posteridad.

Con un argumento basado en el drama de Víctor Hugo Le roi s’amuse (El Rey se divierte), Verdi logra dibujar musicalmente a cada personaje con gran precisión y darles arias, duetos, y ensambles que se encuentran entre los más célebres en los más de cuatrocientos años que tiene la ópera de existir como género musical. Mientras llega la famosísima aria del Duque de Mantua  La donna è mobile en el cuarto acto, el autor nos mantiene atentos con una pléyade de melodías imposibles de olvidar.

PARSIFAL

La famosa leyenda del Santo Grial o Cáliz Sagrado, ha inspirado infinidad de obras de arte en prácticamente todas sus manifestaciones. Los famosos Caballeros Templarios, guardianes del Cáliz que Cristo utilizó en la Última Cena, aunados al mítico personaje del medioevo arturiano Perceval o Parzival, fueron la fuente de inspiración para ésta, la última ópera que Richard Wagner (1813-1883) completó.

Concebida en 1857, pero compuesta veinticinco años después, fue estrenada en el segundo festival de Bayreuth en 1882. Dado el carácter místico-religioso del centro de su argumento, Wagner dejó instrucciones de que no se considerara como una ópera, sino una ceremonia. De hecho, antes de 1903 sólo se representó en Bayreuth; mientras que en otros teatros se hacía solamente en funciones de concierto.

Wagner revolucionó la ópera alemana, tuvo grandes influencias en el desarrollo de este género musical en otros países e inició una nueva etapa del Romanticismo en la Música. A pesar de sus detractores, la ópera contiene momentos de sublime inspiración y no hay duda de que se trata de una obra maestra universal.

FRANCESCA DE RÍMINI 

En el Canto V de la Divina Comedia de Dante, dedicado a los amantes adúlteros, aparecen dos personajes, Paolo Malatesta y Francesca de Rímini cuya apasionada historia ha atraído a varios músicos como Tchaikovsky, Rachmaninov y Ricardo Zandonai (1883-1944). Éste último, autor de la ópera que nos ocupa, nació en Sacco di Rovereto, ciudad que en aquel entonces formaba parte del Imperio Austro-Húngaro y es autor de más de una docena de óperas, música religiosa, piezas sinfónicas y conciertos.

Gabriele D’Annunzio escribió un drama sobre el tema, mismo que sirvió de base para el libreto de Tito Ricordi, que fue el utilizado por el compositor.

Estrenada en Turín en 1914, la obra contiene escenas estrujantes que el autor aprovechó para escribir una música llena de ardor pasional y con un magistral manejo orquestal, mismo que deja entrever una marcada influencia de Puccini.

JULIO CÉSAR

 Aunque George Frideric Handel (1685-1759) compuso docenas de óperas, Giulio Cesare in Egitto, conocida más comúnmente como Giulio Cesare, fue la única que se mantuvo en el repertorio de las casas de ópera desde su estreno en 1724.

La obra, perteneciente a la Era Barroca y escrita conforme al estilo italiano que prevalecía en la época, a pesar de haber sido comisionada por la Real Academia de Música de Londres y estrenada en esa ciudad, consta de una serie de arias que requieren de una muy especial y difícil técnica vocal, con enormes dificultades para el control de la respiración, así como de los ornamentos que son práctica usual de las obras barrocas. Hay relativamente pocos ensambles y una escasa participación del coro; pero la gloriosa música del genial compositor, hacen de esta obra una verdadera joya.

Actualmente, existe una tendencia muy marcada a revivir óperas de Handel, tanto en Casas de Ópera como en la discografía del compositor. Al escuchar el fruto de la inspiración del autor, no queda más que preguntarnos la razón por la que permanecieron olvidadas por tanto tiempo. ¡Finalmente, se hace la muy necesitada justicia!

Programación y fechas.

 

 

 

 

Ópera en el Tecnológico de Monterrey

A partir del semestre de otoño de 2010 el ITESM campus Monterrey  inició las transmisiones en alta definición de la temporada anual de ópera de la Metropolitan Opera House de Nueva York, teniendo como sede el Auditorio Luis Elizondo.

El Dr. Fernando Treviño Lozano es el director de programa «En vivo desde el Met de Nueva York» y se ha abocado a impartir en el vestíbulo del Auditorio una charla introductora antes de la transmisión de cada ópera , lo que ha permitido a los asistentes conocer y disfrutar más esta manifestación artística. Ha publicado en el periódico El Norte textos sobre dos de las óperas que se han transmitido en la temporada 2011-2012 y le agradezco mucho que me haya permitido reproducirlas en Gusto por la historia.

LA TRAVIATA

La historia de un último adiós.

Publicado en El Norte, 14 de abril de 2010. Sección Arte. Pág. 4

I. El origen. 

La costumbre generalizada al hablar del título de una ópera y de su autor, es el mencionar preponderantemente al compositor de la música. En realidad, el desarrollo de una obra de este género requiere de una historia, misma que puede provenir de una narración corta, una novela, una obra teatral, una leyenda, o cualquier otra fuente que provea de una secuencia o serie de eventos. Una vez que el músico detecta posibilidades de que esa historia pueda convertirse exitosamente en una ópera, éste contacta a un escritor, que en ópera se llama libretista para que manufacture un documento literario, mismo que se conoce precisamente como libreto y que tiene el formato de una obra teatral, pero cuya preparación requiere de mucho cuidado, ya que tiene que proveer al compositor de oportunidades para integrar recitativos, arias, duetos, tríos, ensambles, concertantes, escenas corales y demás.

Una vez que se cuenta con esa materia prima, el músico va dejando que su inspiración lo vaya guiando por el intrigante camino de la creación, para ir confeccionando lo que, una vez concluida se conoce como ópera.

Una exitosa pieza operística, no necesariamente debe que tener una buena historia, por más deseable que ésta sea. Lo que sí es imprescindible es que cuente con un excelente libreto y música de primer orden. No es raro encontrarnos con historias visiblemente inverosímiles, que un buen libretista puede transformar en la base para que el músico componga melodías inolvidables, dando como resultado una obra maestra.

En el caso de La Traviata, ópera en tres actos compuesta por Giuseppe Verdi y estrenada en 1853, la historia tiene su origen en la novela La Dama de las Camelias de Alexandre Dumas, hijo, escritor francés decimonónico cuya producción literaria estuvo muy ligada al teatro y la narración de naturaleza romántica, tales como El Medio Mundo, El Hijo Natural y El Padre Pródigo;  en contraposición con la obra de su padre, cuya producción más célebre se centró en obras de aventuras (Los Tres Mosqueteros y El Conde de Montecristo, entre otras). 

La novela, basada en hechos de la vida del propio autor, narra la historia de una cortesana parisina (Margerithe Gautier) de mediados del siglo diecinueve, cuya vida se va desmoronando paulatinamente, mientras va Abando Nando su vida disipada para cultivar un nievo y verdadero amor por su enamorado Armand Duval. La tragedia no se hace esperar y la trama se encamina a un desgarrador final.

II. La ópera.

 Seguramente que el empresario Bartolomeo Merelli nunca imaginó que al convencer a Giuseppe Verdi de retornar a la composición musical, no únicamente estaba esforzándose  para reclamar un derecho contractual que tenía contra el compositor, sino que prestó un servicio a la Música y a la humanidad entera.

 El año 1840 fue sin duda alguna uno de los más trágicos en la vida del ahora celebérrimo Verdi. En el curso de tres meses, el músico sufrió la muerte de su primera esposa Margherita, así como de sus dos hijos. Aunado a estas tragedias, el fracaso de su segunda ópera “Un Giorno di Regno” tras el reciente éxito de su primera, “Oberto”, hundió a Verdi en una depresión tal, que juró no escribir una nota más durante el resto de su vida. 

La insistencia de Merelli de que examinara el libreto de Temístocle Solera sobre un pasaje bíblico fue tal, que un día Verdi accedió a llevarlo a su casa. Las primeras líneas que el compositor leyó “Va pensiero sull’ ali dorate” (Vuela pensamiento sobre las alas doradas del viento), un himno a la libertad que estimularon tanto el ardor patriótico del músico (en ese entonces su amada Italia se encontraba bajo el dominio de Austria), que finalmente puso manos a la obra y de su inspiración nació Nabucco cuyo éxito fue tan arrollador a partir de su estreno en 1842, que provocó el reinicio de la carrera creativa de este gran músico, uno de los más connotados compositores de ópera en la historia del género artístico a que dedicó su vida.

Otros éxitos siguieron, entre otros: I Lombardi (1843), Ernani (1844), Macbeth (1847) y Luisa Miller (1849), sólo por mencionar algunos. Pero fue el trío compuesto entre 1851 y 1853, a saber: Rigoletto, Il Trovatore y La Traviata los que no únicamente lo establecerían como un maduro compositor del género operístico, sino que definirían el estilo verdiano que maduraría y produciría obras maestras que ahora forman parte integral de la historia del Arte.

La Traviata que como ya mencionamos, tiene su origen el la novela  La Dama de las Camelias de Alexandre Dumas, fue transformada en un magnífico libreto por Francesco Maria Piave e inspiró música inmortal en Verdi. Cabe hacer notar que Piave y Salvatore Camanrano fueron los libretistas más cercanos a Verdi a lo largo de su carrera. Al primero, además del de La Traviata, se deben otras muy importantes colaboraciones, tales como: Ernani (1844), I due Foscari (1844), Atila (1846), Macbeth (1847), Il Corsaro (1848), Stiffelio (1850), Rigoletto (1851),  Simón Boccanegra (1857) y La Forza del Destino (1862).

Tras su estreno en el teatro La Fenice de Venecia el seis de marzo de 1853, Verdi escribió a varios amigos que él consideraba que la ópera había sido un fiasco. Se quejaba de los miembros del reparto, de la escenografía y del vestuario. Sin embargo, las críticas fueron favorables y el compositor fue requerido en el escenario después de cada acto, tanto en el estreno como en funciones subsecuentes. ¡Difícilmente se puede pues calificar de un fracaso! 

Algo peculiar en Traviata es el hecho de que Verdi rompió con los argumentos históricos, mitológicos, fantásticos o inverosímiles que habían plagado la ópera desde el siglo XVII, para poner música a un drama con personajes de la época, y retratando a una sociedad contemporánea de su tiempo. Esto se deriva a que el material literario que utilizó, pertenece a una corriente llamada realismo.

Tres son los personajes centrales del drama. Pero no cabe duda que el pilar dramático y musical es Violetta Valery, nombre que en el libreto asume el personaje de Margarithe Gautier de la novela original. El papel es uno de los más codiciados por las sopranos líricas, quienes seguramente sueñan con alguna vez verse en escena interpretando a Violetta, quien además canta algunas de las páginas más inspiradas y vocalmente complicadas de Verdi.

La trama contiene muchas de las pasiones más intensas de que es capaz el ser humano. Presentes están el odio, los celos, la envidia, el engaño y la vida banal. Por otra parte, el amor y el sacrificio proveen un balance que al final nos deja con un sentimiento de que una tragedia ha sucedido, pero que ésta ha sido en nombre de un verdadero y muy profundo amor.

Dos momentos definen el destino de Violetta. El primero se advierte en el primer acto, cuando ella se encuentra con el dilema de seguir libre en la vida o atarse al amor de un hombre. El segundo sucede precisamente en el segundo acto, en ese momento en el que ella clama: “Ámame Alfredo” desgarrándose interiormente por el sacrificio que ha prometido al padre de su amado y sabiendo que eso le va a costar el amor de quien la ha hecho feliz.

 En resumen, Violetta tiene que experimentar varios “adioses”: a su vida de cortesana, a su posición económica, a su amado Alfredo. Pero finalmente el  más doloroso, el más estrujante es sin duda su último adiós: ¡su adiós a la vida!

FAUSTO

La leyenda y su influencia en el arte.

Publicado en El Norte, 14 de abril de 2010. Sección Arte. Pág. 4.

La eterna juventud.

El anhelo del hombre de permanecer siempre joven, su rechazo a enfrentar el paso de los años y la ancianidad, es tan antiguo como la humanidad misma. Desde tiempo inmemorial nos encontramos con relatos de pócimas y encantamientos que llevaban a quien los ingiriera o practicara a lograr este propósito.

Cuentos infantiles como Blanca Nieves, nos hablan de personajes que a toda costa querían preservar su juventud y belleza, al grado de ser capaces de quitar la vida a alguien más para lograrlo. La literatura en general, está plagada de historias sobre seres con poderes maravillosos que jamás envejecían. De muchos es conocida la leyenda del conquistador español Juan Ponce de León y Figueroa, quien pasó gran parte de su vida buscando la mítica “Fuente de la Juventud”.

Estudios acreditados sobre este curioso fenómeno llegan a una gran variedad de conclusiones, pero la más frecuente es que el hombre en general desea, consciente o inconscientemente, el evitar el encuentro con lo que se encuentra la final del camino: la muerte. 

Uno de los procedimientos que se repiten con más frecuencia para lograr la juventud eterna es el recurrir a los poderes de la obscuridad y hacer un pacto con ellos. En otras palabras, hacer un trato con Satán para recibir la inmortalidad o una cantidad de años de vida adicionales, a cambio de servirle por toda la eternidad, cuando alguna condición contenida en el propio pacto se haga presente y la vida, a pesar de todo, llegue a su fin.

Fausto

La leyenda de esta figura tan conocida en el ámbito artístico, tiene sus raíces en un personaje de la vida real llamado Georgius Faustus, oriundo de Alemania y que existió entre los siglos XV y XVI, a quien le gustaba experimentar con substancias químicas y que cada noche salía a pasear con sus dos perros de quienes se decía que eran demonios.

En el arte, Fausto ha aparecido en varias de sus manifestaciones, pero particularmente en la Literatura (y como corolario el Cine), así como en la Música.

Así, nos encontramos con la publicación, en 1587 de una narración de autor anónimo en la que Johann Fausten, teólogo y practicante de la magia negra, se somete a Mefistófeles, discípulo del demonio a cambio de una cierta cantidad extra de años de vida. Esta primera aparición de Fausto fue seguida de otra muchas, en prosa y en verso; pero indudablemente la que destaca sobre todas, es el drama decimonónico de Johann Wolfgang von Goethe, misma que es considerada como uno de los pilares de la literatura universal.

En Música, la lista no es menos grande, encontrándonos con canciones, sinfonías, música para instrumentos solistas y óperas de autores de la talla de Beethoven, Schubert, Liszt, Berlioz, Schumann, Spohr, Boito, Sarasate y otros muchos, quienes encontraron inspiración en esta fantástica leyenda, para componer obras que se centran en el mismo personaje de Fausto o en algunos de los que siempre le circundan, tales como su amada Margarita o el malvado Mefistófeles. 

El Fausto de Gounod.

Así como en Literatura, la obra de Goethe sobresale de entre todas las demás, en Música es la ópera de Charles Gounod la que viene a la mente cuando se menciona el tema.

Esta composición, sobresale no solamente entre las basadas en temas relacionados con Fausto, sino que es indudablemente la obra maestra de su autor y la que lo ha colocado entre los inmortales.

Estrenada en París en 1859, utiliza un libreto de Jules Barbier y Michel Carré, basada en el drama Fausto y Margarita del propio Carré, quien a su vez, se inspiró en Goethe. Integrada por cinco actos e incluyendo uno de los ballets de ópera más célebres de todos los tiempos, su argumento circunda alrededor de un anciano erudito quien en el ocaso de sus días se lamenta de no encontrarle sentido a la vida. Invoca la ayuda del demonio y aparece Mefistófeles quien mostrándole imágenes de los placeres de la vida y en particular de la bella doncella Margarita, arranca de Fausto la promesa de su alma, a cambio de la juventud necesaria para seducir a la dama. En el curso del argumento, Fausto y Mefistófeles acuden a una taberna donde la seducción de Margarita de lleva a cabo. Ésta concibe un hijo de Fausto quien posteriormente la abandona. Ella asesina al niño por remordimiento. Mefistófeles se muestra feliz, ya que en lugar de un alma, se llevará dos. Pero al final, Margarita, profundamente arrepentida es perdonada y llevada al cielo por un coro de ángeles, mientras Fausto tiene que ir a cumplir su parte del pacto en el inframundo.

Perteneciente al género de Gran Ópera, Fausto requiere de grandes voces para sus papeles principales, coros magnificentes y como ya se mencionó, un ballet, que aunque algunas veces se omite, no deja de ser representado de manera autónoma con mucha frecuencia.

Plagada de bellas melodías, una orquestación de primer orden y frecuentemente presentada en suntuosas producciones, Fausto de Gounod es una obra que no debe escapar a la atención de todos los amantes de la música.